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El segundo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota nació entre la Guerra Fría y la primavera democrática, pero sus canciones terminaron construyendo una mirada mucho más amplia sobre la sociedad.
El segundo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota nació entre la Guerra Fría y la primavera democrática, pero sus canciones terminaron construyendo una mirada mucho más amplia sobre la sociedad.
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y una de las obras cumbres del rock argentino. A 40 años de su creación, el álbum parece tener cada vez más peso específico. Como toda obra clásica, se resignifica con el paso del tiempo, pero tras la muerte del Indio esa lectura volvió a abrirse.es el disco de la triple “p”: la pluma del Indio, la púa de Skay y el pincel de Rocambole.
Nunca antes, dentro de Patricio Rey, la dimensión visual había ocupado un lugar tan preponderante junto a quienes crearon las canciones. Si los 80 fueron una fiesta por el regreso de la democracia,fue su lado B: el comienzo del pesimismo frente a la primavera alfonsinista y el anuncio de una distopía que, de algún modo, llegó hace rato. El álbum fue concebido con la Guerra Fría como telón de fondo y la Revolución Rusa de octubre de 1917 como bandera.
Las imágenes y la tipografía de Ricardo “Mono” Cohen, Rocambole, son elocuentes: el reemplazo de la “C” por la “K”, la “B” invertida que emula el alfabeto cirílico, la Catedral de La Plata en llamas, las banderas rojas y negras en una multitud y el esclavo rompiendo sus cadenas.
“La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso”, explicó Rocambole aAños después, resumió aquella estética: “Oktubre parece la tapa de un libro anarquista.
Los colores negro, rojo y blanco; la multitud donde está el Che y una iglesia incendiándose, funcionan como homenaje a las revoluciones. El disco entero giraba en las ideas de libertad y justicia”. , su disco debut, y convocaron a Daniel Melero y Claudio Fernández, baterista de Don Cornelio y La Zona, quien aportó baterías electrónicas enEl vínculo con Fernández comenzó casi de casualidad.
“Enrique Symns, fan de Cornelio, vio un aviso de nuestro primer show que decía ‘psicodelia romántica’ y se lo comentó a la negra Poli y Skay. Los tres vinieron a ver ese show; al final, me encuentro con Skay y Poly y me dicen que les había encantado el sonido”, explicó el músico aDespués llegó la convocatoria.
“Vino Skay a la sala de ensayo de Don Cornelio y hablamos un rato. Él me contó que querían un apoyo de percusión en diferentes temas… Grabé solo en Motor Psico, pero en la presentación del disco toqué en varias canciones. Toqué cencerros e hice el apoyo percusivo. Todo eso terminó en las presentaciones de Palladium de octubre”, indicó el percusionista, presentado en el sobre interno como"Claudio Cornelio".
En esa búsqueda, Solari llamó a Daniel Melero.
“Al sonido queríamos aggiornarlo, por eso convocamos a Melero. Pero no funcionó del todo. En esa época era muy difícil empatar texturas, recién en, una puerta de entrada a un disco que habla de revoluciones, aunque desde una posición que se niega a adoptar un estandarte: “Sin un estandarte de mi parte”. El efecto reverb utilizado por el ingeniero Ovel Costa completó la atmósfera.
La banda parece encerrada en un baño y sobre ese clima se despliega la poética encriptada del Indio.es uno de los máximos himnos del rock argentino. Su marcha frenética, su estrofa casi recitada, su poética y su solo parecen demasiado extraños para una canción destinada a ser un hit.
Sin embargo, terminó convertida en un himno. La letra juega con la frontera entre sueño y realidad. Todo parece una pesadilla hasta que llega el estribillo: “No lo soñé”, es decir, la cruel realidad.
Solari explicó aen 2007 que la canción hablaba de la paranoia, la psicopatía y los males de la cultura rock, pero también de las distintas etapas atravesadas por esa cultura.sentado en una especie de balconcito en el primer piso de mi casa en la calle Soler, donde había construido una sala de ensayo en la terraza. Una tarde me puse ahí con la guitarra y empecé a jugar con esos acordes y terminé de definir la armonía de lo que iba a ser el tema”, recordó en una entrevista con, se trató de una confusión: Dawi no participó de la gestación del disco y el solo fue creado por Skay.
Indio Solari, el adelantado La capacidad de Solari para advertir, comprender y convertir acontecimientos recientes en material poético aparece también con Chernobyl, cuya explosión ocurrió el 26 de abril de 1986. Menos de un mes después, Los Redondos presentaron oficialmente la canción en Palladium con el cierre con un canto en idioma ruso: En la versión del álbum se transformó en el grito “¡Chernobyl, Chernobyl, Chernobyl! ”, acompañado por las sirenas que incorporó Daniel Melero.
Pero en las primeras presentaciones en vivo la cambiaban por “Olga Sudorova, Vodka de Chernobyl ¡Pobre la Olga! ¡Crepó! ”. La frase hacía referencia a un mito, luego desmentido, según el cual el gobierno ruso entregaba vodka a la población para protegerla de la radiación.
El artista no sólo comprendió que era unaLa canción adquirió el mote de “el pogo más grande del mundo” en el primero de los dos River de abril del 2000. Ante 75 mil personas, antes del solo, Solari lo presentó de esa manera y el público respondió con un desenfrenado coro.
, el saxo de Willy Crook y la guitarra de Skay acompañan una canción que pone el foco en el consumo de sustancias, los estereotipos de belleza y la banalización del rock: “Música para pastillas y mucha cuchillería” y “rockeros bonitos educaditos”. A tres años de la Dictadura también advierte que “los buenos volvieron”, mientras están rodando cine de terror.aparece la mercantilización del amor: “motor psico el mercado de todo amor / lo que debés cómo puedes quedártelo”.
La guitarra mezcla surf y postpunk hasta llevar al oyente a una especie de trance. , la caja boba aparece como una autoridad capaz de fabricar una falsa idea de libertad y manejarte la vida.
Hoy cambió el objeto tecnológico, pero la idea podría trasladarse al celular.sobre la resignificación del álbum, señaló: “Es lo que estamos viviendo: control de todos los aspectos de la vida de los ciudadanos, pérdida de libertad de expresión y de privacidad, utilizan el miedo para control, degradación ambiental y una catástrofe de salud”. , en cambio, es la canción más cercana al rock clásico de Los Redondos, aunque la marcha y la reverb la integran al concepto.
Allí aparece: “La veo casi como un demonio y rasco la alfombra por su amor”, frase que muchos identifican como una referencia a la cocaína. El plan de Skay, Poli y Solari era construir una obra lúgubre, anti doxa y capaz de mostrar la otra cara del optimismo reinante. Quizás allí esté una de las claves de: haber conseguido que una obra pensada desde la oscuridad, la revolución, el desencanto y la incomodidad atravesara cuatro décadas sin dejar de interpelar.
Cambiaron los tiempos y las tecnologías, pero las preguntas sobre libertad, control, consumo, miedo y desigualdad siguen abiertas. Y mientras sigan abiertas, Oktubre seguirá encontrando nuevas formas de ser escuchado.
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